Qu’est-ce que le Pop Art?

Par Marie caroline SURTEAUVILLE,

09 July 2018

À l’inverse des peintres abstraits, les artistes du pop art vont réintroduire le figuratif de la manière la plus directe qui soit. Ce mouvement va se développer en simultané aux États-Unis et en Angleterre à la fin des années cinquante. On peut y voir un parallèle avec une économie puissante. Les artistes puisent dans le répertoire de la culture de masse pour élever des objets du quotidien au rang d’œuvres d’art.

C’est également un moyen de minimiser l’expression personnelle de l’artiste. Ce mouvement s’inscrit également dans le prolongement du dadaïsme et des combine paintings de Rauschenberg ou de Jasper Johns.

Buffalo II, Robert Rauschenberg

Le pop art anglais et le pop art américain

Le pop art va se développer d’abord en Angleterre via « l’independance group » réunissant Hamilton ou Paolozzi. L’expression « pop » va apparaître pour la première fois dans le collage « I was a rich man plaything » de Paolozzi. L’expression viendra un peu plus tard avec le critique d’art anglais Lawrence Alloway, lui-même membre de ce groupe. Ces différents protagonistes vont travailler sur le thème de la modernité dans la société et se rendre compte que la culture populaire est quelque chose d’enrichissant.

Aux États-Unis, ce mouvement va naître de manière individuelle, avec des artistes comme Andy Warhol ou Roy Lichtenstein, reconnu par les institutions comme des figures incontournables. Aucun groupe n’a émergé, mais des traits communs, comme l’ironie, se dégagent des différentes œuvres.

Oh Jeff, Roy Lichtenstein

Les caractéristiques du pop art

La société de consommation va jouer un rôle important auprès d’artistes comme Andy Warhol ou Tom Wesselmann. Il n’était pas rare de mettre à l’honneur les boîtes de conserve Campbell ou Coca-Cola. Dans sa factory, Andy Warhol va reproduire en grand nombre ces marqueurs avec notamment ses boîtes Brillo. Nous avons un véritable témoin de la vie moderne inspirée de la publicité, des magazines.

Marilyn diptych, Andy Warhol

Les techniques utilisées dans le pop art

Dans un premier temps, nous retrouvons le collage déjà utilisé par les cubistes. Les artistes vont s’inspirer des procédés techniques récents de l’industrie et du commerce avec la peinture acrylique, le collage de matériaux étrangers à la peinture.

La sérigraphie est la technique qui permet de mettre en avant la reproduction. Les œuvres d’art ne sont plus uniques.

Les couleurs employées sont souvent vives et dissonantes afin de capter le regard du spectateur et simplifient la lisibilité des sujets.

Le Pop Art et la culture de masse

Cette forme de culture passe par la diffusion de l’image ou du son et qui a pour objectif de toucher le plus grand nombre, elle se développe notamment avec la production de masse et la société consumériste. Les images du quotidien sont traitées de manière « kitch ».

Cet art est plus accessible au public par rapport à des œuvres abstraites destinées à une certaine élite. On assiste à une rébellion contre l’école de New York composée entre autres de Pollock ou Newman. Il va y avoir un engouement pour ce mouvement surtout auprès des jeunes, car il leur est possible d’identifier les sujets sans difficulté.

Les Artistes Pop Art

Les initiateurs du Pop Art américain : Robert Roschenberg et Jasper Johns

Le courant émerge Pop Art d’abord dans les travaux de ces deux artistes. Tous deux lassés par l’hégémonie de l’expressionnisme abstrait, ils abordent la surface de l’œuvre comme un chantier sur lequel l’artiste accumule des motifs extraits de la vie quotidienne.

Après des études au Kansas City Art Institute, Robert Rauschenberg se rend à Paris puis, en 1949, il étudie au Black Mountain College en Caroline du Nord, une école d’art qui eut un poids considérable aux États-Unis, car elle était le premier relais des idées dadaïstes. Rauschenberg y rencontre notamment le compositeur John Cage. Au milieu des années 1950, il réalise ses premières peintures dans lesquelles il intègre des objets trouvés. Ces « Combine Paintings », comme il les appelle, sont des œuvres hybrides qui confrontent parties peintes et éléments neutres issus de la vie quotidienne. Ce sont des assemblages, ni des peintures, ni des sculptures, mais les deux à la fois. Bed, une œuvre réalisée en 1955 et conservée au MoMa de New York est l’une des premières « Combines » de Rauschenberg (Crédits photos : 2021 Robert Rauschenberg Foundation). Elle est constituée d’éléments hétéroclites, un édredon, une taie d’oreiller, appliqués sur le support traditionnel de la toile, gribouillés au crayon, recouverts de peinture à la manière de l’expressionnisme abstrait. Ces éléments auraient recouvert le lit de Rauschenberg lui-même. Le peintre réalisant donc une œuvre personnelle, une sorte d’autoportrait. Pourtant, le lit, objet quotidien habituellement à l’horizontale, est ici renversé, à la verticale. Mêlant style abstrait et objets trouvés, ces monumentales Combine Paintings envahissent l’espace du spectateur et deviennent des rébus visuels. Rauschenberg n’y cache pas l’influence du collage cubiste ou surréaliste.

Rauschenberg, comme les autres artistes pop a eu à cœur de rapprocher l’art de la vie et l’artiste du public. Au début des années 1960, il y inclut des éléments de la ville puis réalise un ensemble de sérigraphies. Son œuvre développe alors un intérêt nouveau pour la photographie, les scènes banales et la disposition aléatoire.

Jasper Johns quant à lui étudie à l’Université de Caroline du Sud, ses professeurs remarquent son talent et l’incitent à se rendre à New York. En 1954, il se lie d’amitié avec Rauschenberg qui deviendra son amant. À cette époque, Johns détruisit la quasi-totalité de son œuvre précédente et commença à utiliser la peinture à l’encaustique, épaisse et translucide. Il se met à peindre des figures simples et quotidiennes : drapeaux, cibles de tir, nombres. Montrées au public lors de sa première exposition personnelle en 1958, dans la galerie de Leo Castelli, elles rencontrent un grand succès et signent la fin de l’expressionnisme abstrait. Jasper Johns a aussi beaucoup utilisé l’image populaire et emblématique du drapeau américain, cherchant à provoquer les associations inconscientes que suscite ce motif chez les Américains, comme dans Three Flags, une œuvre de 1958 conservée au Whitney Museum of Art. Jasper Johns et Robert Rauschenberg annoncent, par leur usage de motifs du quotidien, les futurs artistes du pop art qui éclipseront totalement l’expressionnisme abstrait, marquant un retour à la figuration et à la peinture de chevalet.

Andy Warhol (1928 – 1987)

Artiste emblématique du pop art, Warhol réinvestit le champ traditionnel du tableau. Il favorisera aussi le grand format et multipliera l’image à l’infini pour finalement perdre la notion de l’original. Avec Warhol on observe un retour en force de la figuration.

Marilyn Monroe warhol — Marilyn Monroe par Andy Warhol

Issu d’une famille modeste d’origine slovaque, Andrew Warhola s’installe à New York en 1949. Il travaille alors comme illustrateur pour Vogue et The New Yorker, et réalise des décors de vitrines. À partir de 1962, il utilise dans sa peinture des motifs de la vie quotidienne : les produits de consommation tout en l’adaptant à la technique de la sérigraphie, qui permet une reproduction quasi infinie du motif sur tous types de support.

À la mort de Marilyn Monroe en août 1962, Warhol est fasciné par l’événement et par la mort elle-même. Il se met à travailler sur le visage de l’actrice à partir des clichés de presse. Il devient, avec cette série, l’un des artistes majeurs du pop art. Warhol a exprimé sa fascination pour la mort des années plus tard dans la série des accidents de voiture et des chaises électriques. On peut d’ailleurs lier cette fascination avec l’intérêt de l’artiste pour la reproduction mécanique, qui réduit l’image originelle à une simple enveloppe. À partir de 1964, alors qu’il est déjà très connu, Warhol transforme son loft en studio : La Factory. Cet espace devient un lieu de projection, un studio de tournage, une salle de concert, un atelier de pose, un lieu de fête… C’est le rendez-vous de tous les participants à la vie artistique de New York, un lieu légendaire de la culture pop. C’est aussi le lieu de travail d’Andy Warhol, là où il réalise ses sérigraphies avec l’aide de nombreux assistants, poussant à son paroxysme son idée de création industrielle de l’art. Il fermera ce lieu après y avoir été grièvement blessé par balles en 1968.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Roy Lichtenstein commence à réaliser ses premières œuvres Pop Art vers 1961 et connait très rapidement une grande notoriété. Dans ses premières œuvres, inspirées des Comics, les traits sont épais, les couleurs franches. Roy met aussi au point une technique de masque pour produire les points de trame qui font sa « marque » de façon presque mécanique. Lichtenstein reproduit consciencieusement tous les détails des images qu’il copie avec une perfection inouïe, tout en ayant une critique sociale sous-jacente sensible. Il est un des artistes qui brouillent le plus la séparation entre original et reproduction.

Claes Oldenburg (né en 1929)

Claes Oldenburg se passionne quant à lui pour le processus d’accumulation, l’hygiène et la nourriture. À la fin de l’année 1961, l’artiste loue un établissement à Manhattan où il inaugure l’installation magasin The Store, qui peut être visitée pendant deux mois. Il y présente, entre autres, des copies d’articles comestibles comme celles réalisées pour Pastry Case I, une œuvre aujourd’hui conservée au MoMa.

Pastry Case I pop art — Crédits photos : 2021 Claes Oldenburg

Les desserts sont réalisés en plâtre puis peints à l’émail. Ils sont ensuite présentés, pour la délectation visuelle du spectateur, dans une vitrine et sur de vrais plats, augmentant la tension entre la nature périssable des mets représentés et leur évidente artificialité. Claes Oldenburg fait, un peu comme Andy Warhol, l’apologie de la consommation. Il est également connu pour ses œuvres monumentales.